música

Toda banda merece um Amarante

2008-11-16T09:30:00.001-08:00

por Rudá Almeida

Pra mim, creio e torço que pra você também, não há banda de rock que melhor represente os anos zero zero do que os Strokes. E se levasse em consideração somente o ‘nosso território’ (esse país aê), a afirmação valeria pros Los Hermanos. Por isso, ainda que o “hiato por tempo indeterminado” dos dois grupos tenha vindo na hora certa - quando ambos lançaram discos bem ruinzinhos, capengas pra não dizer outra coisa - não é de se estranhar que sintamos uma pontinha de saudade dos dois, ao menos que de vez em quando. Eu mesmo, num post em que já sinto vergoinha por ter escrito, falei que, apesar de ter gostado do disco do Marcelo Camelo, ainda pensava no extinto (?) grupo carioca - o que não era um bom sinal. Pois então, nem penso mais. Rodrigo Amarante e Fabrizio Moretti, juntos da cantora Binki Shapiro, trataram de sepultar qualquer sentimentozinho rbd for life com seu novo projeto: o Little Joy.

O disco homônimo da banda, lançado no último dia 4 pelo famoso selo inglês Rough Trade, não apresenta nada de novo pra quem está acostumado a escutar a voz bêbada de Amarante nos Los Hermanos e os riffs de guitarra dos Strokes. Também não é a simples mistura dos dois. As músicas cantadas pela Binki, por exemplo, se afastam um pouco das demais, são calminhas, cheias daquela beleza fofolete, como a melhor do disco, Don’t Watch Me Dancing… Mas, como novidades não são o carro-chefe e nem sempre são bem vindas, a simples união do melhor de cada uma das outras partes - embora seja notável que a corda puxe mais pro lado de Amarante - já resulta em algo de altíssima qualidade. É verdade que nenhuma música tem a força dos mais famosos singles das bandas anteriores dos brasileiros, o que não é, de forma alguma, um problema. Basta escutar The Next Time Around e Brand New Start pra perceber que os prováveis maiores sucessos do Little Joy estão à altura de qualquer um deles, e dêem de ombros pra quaisquer comparações.

A trinca No One’s Better Sake / Keep Me in Mind / How To Hang a Warhol está aí pra agradar os fãs mais agitadinhos dos Strokes. Quem prefere as baladinhas arrastadas dos Los Hermanos, pode ficar com Shoulder to Shoulder. Tem até pra quem gosta do Camelo, veja só: basta escutar Evaporar, do Rodrigo Amarante, onde ele canta em bom português e toca sozinho no violão.

Assim mesmo, querendo e, suponho, agradando a todo mundo, que eu vejo o Little Joy como uma das melhores coisas que apareceram nesses últimos aninhos. Fazendo um resumão do que melhor apresentaram, pra mim, e continuo crendo que pra você também, as duas bandas mais importantes da década, Fabrizio e Amarante (ninguém melhor do que eles) acertaram em cheio. Espero que mais uniões felizes e coincidentes como essa continuem acontecendo pra deixar o futuro menos tedioso, caso não saia nunca mais o disco novo do Franz Ferdinand.

The Walkmen: Servindo bem para servir sempre

2008-11-10T20:22:00.001-08:00

por Tiago Lopes

Com pouco menos de dois anos para o fim dessa década, previsões sobre o que realmente irá caracterizá-la já podem ser feitas agora mesmo, sem que muito do seu sentido se perca daqui até a mudança dos dois dígitos. Na música, a única coisa que arranhou o conceito de “movimento” foi a descoberta em massa de bandas nova-iorquinas no início dos anos 00, que, à primeira vista, pareciam ter um senso de estética visual mais apurado do que algum conhecimento musical abrangente. Precisou de um tempo (o intervalo entre o primeiro e o segundo disco, mais precisamente) para o proto-movimento se mostrar como algo que realmente carregava alguma substância não advinda de um coletor de lixo reciclável. Dessa leva, pouquíssimas bandas ainda se mantêm em pé até hoje e nenhuma outra é tão consistente quanto o The Walkmen.

You & Me é mais um disco saído de uma constante e inventiva linha de produção que não sofreu nenhuma adição de elementos estranhos ao longo de cinco discos e não precisou fazer uma mudança drástica de direção sonora como tática de sobrevivência em busca de um aumento de público. O Walkmen é nesse novo disco o mesmo de Everyone Who Pretended To Like Me Is Gone, só que mais ciente dos limites do som que criou em sua estréia, portanto, mais disposto a refiná-lo.

Mesmo tendo dois discos de inéditas e um de versões entre um e outro, os extremos da atual discografia do Walkmen parecem uma linha evolutiva sem interrupção. Bows + Arrows e A Hundred Miles Off expandiram o volume dos vocais, a velocidade e os efeitos nas guitarras e a qualidade das músicas criadas pela banda que, mesmo mantendo a discrição, conseguiu atenção suficiente dos críticos para receber os merecidos superlativos com os quais vem sendo classificada. Depois de um disco de covers de um disco de covers (Pussy Cats, disco de covers do Harry Nilsson virou Pussy Cats: starring The Walkmen), a banda resolveu mostrar o lado refinado dessa evolução toda, criando um disco melancolicamente doce (o título deixa bem explícito a onipresença do tema “amor”), calmo e, por tudo isso e mais um pouco, inesperado.

Nenhuma música do novo disco lembra a força dos mais famosos singles anteriores (”The Rat”, “Little House Of Savages”, “Lost In Boston”), mas a maioria delas alcança os mesmos altos padrões de satisfação auditiva, indo por vias mais discretas e elaboradas, como “On The Water”, “Canadian Girl”, “Red Moon” e “The Blue Route”, quatro canções que derrubam qualquer resistência ao Walkmen à primeira audição. As duas primeiras são as que representam melhor o espírito de amor sóbrio do disco (nos anteriores, tudo era meio alcoolizado, do som dos vocais à estridência das guitarras), com provas de que o Walkmen possui o melhor percussionista em atividade (sem chamar a atenção pra si o tempo inteiro) e as guitarras reverberadas deixaram de ser onipresentes para virar algo pelo qual se espera ansiosamente. “Red Moon” é uma balada na melhor acepção do termo: exageradamente romântica e despida de maiores arranjos, só um piano, uma batida alternada e um naipe de metais na medida para exaltar os espíritos mais sorumbáticos. E “The Blue Route” é o mais próximo de barulho que eles criaram em You & Me e, ainda assim, milhas distantes da estridência de outrora.

O resto do disco segue à risca o mais não-tão-em-uso conceito de álbum. Espera-se do ouvinte uma disposição para apreciá-lo por inteiro e várias vezes, para melhor aproveitamento da obra. A sutileza de músicas como “Dónde Está La Playa”, “Long Time Ahead Of US” e a instrumental “Flamingos (For Colbert)” fazem o retorno à atmosfera única do disco ser mais desejável ainda. No fim de tudo, a banda entrega a já tradicional homenagem explícita ao Dylan, em músicas que soam exatamente como grandes b-sides d’O Homem. Aqui, a (venho tentando evitar o uso de adjetivos melosos desde o começo da resenha, mas é preciso ceder) estupendamente bela “If Only It Were True” fecha o disco que deve tornar impossível, em 2010, chamar o The Walkmen de outra coisa além de grande banda da década.

Oasis acerta por vias tortas

2008-10-16T21:21:00.001-07:00

por Rudá Almeida

O primeiro álbum, Definitely Maybe, de 1994, e o seu sucessor, (What’s the Story) Morning Glory, de 1996, são considerados as obras-primas do Oasis. Para muitos, tudo se resume ao pensamento de que, desde então, o que os irmãos Gallagher vêm fazendo é tentar repetir o sucesso destes dois discos. Talvez o caso se aplique ao Be Here Now, o maior fracasso (assumido) do grupo. Mas se formos analisar os demais trabalhos do Oasis, mesmo que estes sejam evidentemente “menores” que os seus predecessores, a comparação não cabe pela grande (mas simples e verdadeira) desculpa de sempre: os tempos eram outros.

Com seu mais novo trabalho, o sétimo disco de estúdio, Dig Out Your Soul, o grupo inglês chega bem próximo de alcançar as glórias do passado, mas, surpreendentemente, por vias tortas. Explico: se tem um álbum que serve de comparação ao DOYS, tanto pela grandiloqüência quanto pelo pé no psicodelismo, esse álbum é justo o Be Here Now. Isso fica evidente já no primeiro minuto da música que abre o disco, a excelente Bag It Up. Com as duas seguintes, The Turning e Waiting for the Rapture - também dignas de excelência, formando o melhor início de discos do Oasis desde… - tudo fica tão evidente que dá medo de continuar com os fones no ouvido e ter que se decepcionar mais uma vez, e pelos mesmos motivos.

Felizmente isso não acontece. Os excessos e a ambição do álbum, dessa vez, não conseguem comprometer sua qualidade, por dois motivos, penso: 1) O amadurecimento da banda (estava na hora, né?), que aprendeu com o primeiro erro (Be Here Now) e tratou de corrigi-lo, produzindo a partir daí uma série de discos menos espalhafatosos, mais contidos e pans e chegando aqui com a moral, ou a cara de pau, de produzir algo grandioso novamente (Notem a total ausência de baladinhas pra tocar nas rádios e na segunda tacada perfeita de Noel em menos de três anos, Falling Down, que não faz feio nem ao lado de The Importance of Being Idle). 2) Sinal dos tempos. Ou todo mundo já esqueceu dos também excessivos e ambiciosos novos álbuns do Stephen Malkmus e do fenomenozinho Glasvegas?

Se o Don’t Believe the Truth apontava para a mudança gradual na qualidade dos trabalhos recentes do Oasis, mesmo que discretamente e ainda cometendo erros aqui e acolá, o Dig Out Your Soul é o fim da bendita ou, ao menos, um ótimo presságio de algo maior que está por vir. Ele pode não levar o Oasis ao patamar de maior banda de rock da atualidade novamente, ou melhor, com certeza não levará. Mas pra quem já não acreditava numa retomada tão convincente, os irmãos Gallagher estão de parabéns. Ainda merecem respeito os encrenqueiros…

Festival No Ar Coquetel Molotov - 2º dia

2008-09-22T19:20:00.001-07:00

Mallu Magalhães

por Tiago Lopes | fotos de Coraline Sabourin

A movimentação nas dependências do Teatro da UFPE se mostrou um tanto menor na segunda noite do festival No Ar Coquetel Molotov. Poucos atrasos na noite anterior e tudo seguia bem na segunda noite até a coincidência entre os shows do Club 8 (mais uma das bandas da Invasão Sueca) e a Catarina, artista pernambucana. A primeira fechou as apresentações na Sala Cine UFPE e a segunda abriu os shows da noite de sábado no Teatro, ao mesmo tempo.

O show da Catarina pareceu uma melhor opção e ela realmente se mostrou como tal. Tendo como guitarrista o vocalista do Mombojó, Felipe S., mais percussão, um contrabaixo vistoso e programações eletrônicas econômicas, a mulher se desdobrava em passinhos um tanto toscos, em piadas divertidas, gritinhos de “uoooou” entre uma música e outra e distribuição de chocolates para chamar a atenção do público pro som pop/tecno-brega/hip-hop que divertiu bastante. E divertiu não por ser só engraçadinha nas letras, mas porque o resultado era realmente apreciável, sem qualquer ironia. É admirável uma banda de Recife se preocupar em fazer música pop de qualidade sem querer denunciar nada ou se preocupar somente em cantar regionalismos. Ficou tempo o suficiente no palco para mostrar uma versão hilária e cheia de malemolência de “Sensual Seduction” do Snoop Dogg (em que ela traduzia certas partes da letra para o português, aumentando ainda mais o efeito cômico) e ainda repetir duas músicas. Ninguém se incomodou com o bis e a Catarina foi aplaudida em pé.

O Coquetel Molotov, em cada edição, se preocupa em trazer um artista que faça muita coisa usando pouca matéria-prima. Preenchendo a cota desse ano, o Final Fantasy, projeto solo de Owen Pallett (colaborador de bandas como o Arcade Fire e Beirut), fez uso de apenas um violino, um laptop e um teclado. O público parecia hipnotizado pelas mãos do rapaz, que a cada movimento mais rápido, arrancava aplausos. Mas a resposta positiva da platéia pareceu mais empolgação por ver algo não tão comum em música popular sendo executado do que genuína resposta a músicas calculistas demais e um tanto sem emoção. Lembrou bastante um Andrew Bird sem a competência melódica deste.

Mallu Magalhães foi a responsável por levantar o público das confortáveis cadeiras do teatro. Teve gente que perdeu lugar e quis dormir em pé durante o show da garota. Não que estivesse muito chato, só foi realmente maçante em alguns momentos. As músicas dela ganham muito mais estofo quando a banda participa ativamente. Nas que continham apenas o barulho do seu banjo, as músicas perdiam um pouco da força e não conseguiam atingir satisfatoriamente o enorme teatro, provocando algum tédio. Não ajudou muito o fato de ela ter convidado o Camelo para cantar as mesmas músicas que ela havia cantado com ele um dia antes, só que dessa vez, sem a emoção noveleira de brinde.

Peter, Bjorn and John

Encerrando a última noite, os escoceses do Peter, Bjorn and John entraram com guitarras muito altas. O efeito imediato do barulho acordou quem havia cedido ao sono no show da Mallu, mas não durou por muito tempo. As músicas do PBJ são de uma linearidade entediante, não há mudanças perceptíveis no andamento de algumas delas. A presença de palco deles, fortalecida por uns pulinhos e gestos por vezes constrangedores, tentava dar uma força extra a apatia das músicas, mas não funcionava. Sem solavancos ou desvios de percurso em músicas executadas em alto volume para tentar maquiar essa falta de criatividade, o resultado final do show do PBJ foi semelhante ao zumbido de um inseto gigante: de uma constância irritante.

Festival No Ar Coquetel Molotov - 1º dia

2008-09-22T19:14:00.001-07:00

Júlia Says com a participação de Guizado

por Tiago Lopes | fotos de Coraline Sabourin

O Coquetel Molotov desse ano já surpreendeu antes mesmo de começar. Os ingressos para a primeira noite do festival se esgotaram 4 dias antes do início, fazendo a alegria dos cambistas - que dispuseram suas preciosidades na entrada do evento por uma quantia de até R$ 60,00, 100% a mais do que o real valor do ingresso – e aumentando ainda mais as expectativas para o mais esperado show do festival: a estréia em palcos do Marcelo Camelo. Porque era óbvio que o suposto ex-hermano foi a causa para a alta valorização da primeira noite do festival, o que se queria descobrir mesmo era como todo esse público se comportaria na hora da execução do Sou.

Antes de falar do show que iria fechar a noite no teatro da UFPE, vamos às bandas que não comoveram tanto assim o público, mas que foram tão competentes (em alguns casos, até mais) quanto a principal atração. Os pernambucanos do Júlia Says, que usavam programações eletrônicas, bateria e uma guitarra e um trompete de vez em quando, começaram com um show meio morno. Se tivessem feito o “de vez em quando” das guitarras aparecer bem mais, as músicas teriam provocado um pouco mais de efeito no público que já começava a lotar o teatro, mas não respondia tão bem ao eletrônico de vocal um tanto inaudível da banda.

Cidadão Instigado

Aí entra o Cidadão Instigado, banda liderada pelo cearense Fernando Catatau, que foi chamada horas antes do evento para substituir os cuiabanos do Vanguart – ao que parece, pediram mudança nas datas das passagens de avião e a produção do Coquetel Molotov não quis atender ao pedido, feito apenas uma semana antes do festival; Hélio Flanders, vocalista do Vanguart, explicou na comunidade da banda no Orkut que o custo adicional da mudança de datas seria de R$ 600,00 por cabeça. Mas a troca se mostrou benéfica como pouca coisa do festival: o Cidadão Instigado fez um dos melhores shows dessa edição, tocou grandes músicas de um vindouro novo disco, executou as melhores dos seus dois discos anteriores e fez barulho, muito barulho mesmo. Como defeito, uma parte do público que marcava cadeiras pra ver o show do Marcelo Camelo e prestava pouca atenção à intricada, mas bastante funcional mistura de samba, funky, brega e o melhor em distorção de guitarras. Quem estava gostando, se manifestou em aplausos e mais aplausos ao fim de cada música, deixando o Catatau com um sorriso largo no rosto ao fim do show.

Shout Out Louds

Depois, a primeira banda da Invasão Sueca, projeto que existe desde a edição de 2007. A seleção desse ano foi um tanto mais consistente e visível, como se pôde ver desde a apresentação do Shout Out Louds, que fez todo mundo se levantar das cadeiras e lotar a parte da frente do palco. A animação do público e a movimentação excessiva dos músicos no palco quase conseguiram esconder certa pasmaceira no som feito pelos suecos, provocada pela execução de inúmeros clichês indies que a banda apresentou, quase todos saídos da cansativa reciclagem de bandas como The Cure, The Smiths e New Order. Maior engodo do festival.

A essa altura, a movimentação dentro do teatro da UFPE, capaz de comportar 3.000 pessoas, já estava difícil, bem difícil. A insistência do público de permanecer em pé em frente ao palco para esperar o Marcelo Camelo, atrapalhando a visão de quem estava sentado nas primeiras filas, provocou irritação tanto na produção do evento, que pediu praticamente a cada um que arranjassem um lugar para se sentar, como no público, que não entedia porque tinha que aplacar a grande ansiedade sentado numa cadeira limitadora de expressões de adoração.

Eis que o Marcelo Camelo entra no palco, sozinho, com seu violão. O altíssimo barulho do público, que gritou e aplaudiu por alguns bons minutos, anunciou o esperado: toda a excessiva adoração que existia pelo Los Hemanos foi transferida para o Camelo sem nenhuma perda, ainda mais em Recife, um dos principais redutos desse público (Camelo admitiu, em certa altura do show, que “tinha de ser aqui, tinha de ser hoje, tinha de ser no Recife e tinha de ser com vocês”). Quando o Hurtmold, banda que está acompanhando o Marcelo Camelo nos shows da sua primeira turnê, entrou no palco a partir da segunda música (“Téo e a Gaivota”, faixa de abertura do disco e a que guarda mais semelhanças com o som feito pela banda de apoio), o público fez questão de mostrar que não iria recuar por um momento sequer nas demonstrações de adoração. A cada mudança de andamento nas músicas, aplausos e gritos que beiravam a insanidade e chegavam a incomodar. Apenas uma semana antes do show, dez das quatorze faixas da sua estréia solo, Sou, foram liberadas para audição no MySpace. A grande maioria do público já cantava em uníssono todas elas e, em alguns momentos, tão alto que mal se ouvia a voz do Camelo. Quando as músicas ainda desconhecidas de quem não havia comprado o disco foram tocadas, o público não se incomodou em substituir o barulho de suas vozes por palmas e mais palmas.

Marcelo Camelo e Mallu Magalhães

Se a comoção já parecia exagerada, atingiu seus picos quando a Mallu Magalhães foi convidada para entrar no palco e cantar “Janta”. Enquanto eles se mantinham abraçados por minutos a fio, o barulho aumentou tanto que chegou a provocar arrepios. Quando o Camelo e a Mallu se separaram para dar início à música, ela não conseguiu segurar o choro. E o barulho da platéia só aumentou ainda mais. O Camelo já havia começado a música e, quando chegou à segunda estrofe e momento da Mallu, ela ainda não havia se recuperado da emoção inicial e não conseguiu cantar. O silêncio dela sobre o dedilhando do violão do Camelo, criou um momento único no festival e a platéia se mostrou realmente acrobata para conseguir, ao mesmo tempo: gritar, bater palmas, cantar junto e chorar. Depois de “Janta”, Camelo e mais uma ainda irrecuperável Mallu tocaram “Morena”. E, vocês adivinharam, a platéia se superou mais ainda em escândalo à audição de uma música do Los Hermanos. Mais três da sua suposta ex-banda ainda foram executadas, todas do disco 4. Marcelo Camelo segurou a mais animada faixa do Sou para o encerramento: “Copacabana”, com seu clima de frevo, pôs fim a um dos shows mais memoráveis da história do Coquetel Molotov.

♪Eu não tenho onde morar...♪

2008-09-06T09:01:00.001-07:00

por Rudá Almeida

O primeiro trabalho concreto de um ex-hermano após a famosa "pausa por tempo indeterminado" chega nesse dia 8 às lojas. Trata-se de Sou, debute de Marcelo Camelo em carreira solo. Mas quem é mais atento sabe que dez das prometidas catorze músicas do disco já vazaram e rodam os ipods e ipobres de todos os indies e estudantes de jornalismo desse Brésil. Eis que, a fim de prestar mais um portentoso serviço sócio-cultural aos pouco abastados habitantes da província, resolvi analisar todo o cancioneiro novo de Camelo com a atenção necessária de quem não tinha porra nenhuma - ou nada melhor - pra fazer.

Primeiramente, cabe analisar a foto de divulgação do rapaz (essa aí de cima), porque pouco antes de conhecermos as músicas fomos apresentados ao "novo Camelo" de uma forma inusitada: levando um susto e, no fundo vai!, tendo peninha. Não te deu vontade de pegar um balde d'água, um sabonete, um esfregão, um kit de barbear e dar ao pobre depois de ver essa foto? O pior é a marca no olho direito que, segundo informantes, nada tem a ver com o famoso punched! dado por Alexandre Magno Abrão, o Chorão, nos gloriosos anos em que sua banda ainda figurava no Faustão e nos comerciais da Coca-Cola.

O que veio depois foi a capa do disco. Sou ou Nós de cabeça pra baixo... hmmmmm. Contemporâneo, muito contemporâneo. Segundo passo rumo a uma publicação elogiosa na Bravo! com o título de "Marcelo Camelo: O Rei da nova mpb". Com destaque para a foto do próprio junto à Mallu, a quem Camelo, segundo a revista, tem profunda admiração musical, pessoal e, por vezes, fraternal.

Sem mais conversa, vamos ao que interessa: a música, que em Sou, dá o ar da graça com Téo e a Gaivota. Nome emepebístico. Já imaginamos algo como o calçadão de Copacabana sob o olhar de Manoel Carlos. Pena que Camelo mudou completamente sua versão. A demo, que figurava no MySpace sem vocal e com o barulho do mar - e das gaivotas! - ao fundo, aumentava sensivelmente a possibilidade de zoação da mesma. Uma pena ele desperdiçar o incomparável instrumental do Hurtmold e um ótimo refrão na, antes, melhor piada pronta do disco.

Tudo Passa tem cara de b-side do Ventura, embora seja melhor que qualquer outra da autoria de Camelo que figure no 4. E o nome pode causar muita agonia, muita agonia mesmo nos participantes da comunidade "Analisando: Los Hermanos" no orkut. "Será?".

Passeando é a primeira tentativa de Camelo de nos convencer que Chico Buarque pode descansar em paz, embora nos convença mesmo que a chatice do último disco de sua (ex)banda foi toda culpa sua. No máximo, entrará no novo DVD "Som Livre: Um Banquinho e um Violão".

Doce Solidão tem assobio pegajoso no lugar do refrão, tal qual aquela música daquela banda da Suécia. Mas, ao contrário do hit europeu, não promete alavancar coro (ou air-assobio) dos pernambucanos no Teatro da UFPE, daqui a duas semanas. Não por culpa da música, claro. E sim pelo bairrismo faniquista empregnado nos recifenses, que os proíbe de gostar de qualquer outra coisa que tenha sido feita fora de seus domínios. Para tentar tal empreitada, caro Camelo, vá de Patience.

Janta e Mais Tarde são as melhores do disco. A primeira tem a participação da Mallu, que como bem observou Chico Barney, “é a nova Luciana Gimenez. Ela sente em português, mas se expressa em inglês. Ou vice-versa?”. A segunda tem, veja só, guitarras (yeah!) e poderia ter entrado no Ventura. Por isso mesmo, já tem o certificado de qualidade garantida.

A partir daqui, Camelo quer nos convencer mais uma vez que quer ser Chico, Caymmi e melhor que Rodrigo Amarante, porra. Enquanto Menina Bordada, Vida Doce e Liberdade são a mais pura baianização do rapaz, Copacabana é uma marchinha carioca sobre o bairro do Peixoto, que exala essa tendência retrô dos "marxista branquelo, essa coisa loser manos, petista", como diria o Lobão. Mas isso tudo, ao contrário do que poderia se imaginar, nem soa tão ridiculamente pretensioso e pimba, embora ainda dê saudades dos Los Hermanos e ansiedade pelo Little Joy. Amarante rulez!

Espanhol sem cha-cha-cha

2008-07-29T09:38:00.000-07:00

por Juliana Fernandes

Se um jovem de 21 anos grava um álbum folk bastante elogiado, passa pela sua cabeça que ele possa ser do Uruguai? Não, né? Mas é verdade. Durante o verão de 2007, Gonzalo Deniz, um uruguaio estudante de cinema, reuniu algumas de suas canções e deu origem ao projeto Franny Glass, nome inspirado na protagonista do livro Franny e Zooey de J. D. Salinger.

A princípio era uma banda com guitarra, baixo e bateria, mas se transformou em one-man-band estilo intimista voz e violão pouco antes da gravação do primeiro álbum, Con La Mente Perdida En Intereses Secretos, que recebeu esse título a partir do livro Crônicas – Volume Um, de Bob Dylan.

Lançado de forma independente, Con La Mente Perdida En Intereses Secretos é vendido pelo próprio Gonzalo por 100 pesos uruguaios (quase r$ 9 reais) e contém 12 composições simples, não enjoativas falando de amor e perspectiva, ou contando pequenas histórias com uma beleza meio pessimista. Um pouco como Belle and Sebastian, um pouco como José González.

Depois de uma pequena temporada em Buenos Aires para uma sequência de shows mês passado, Gonzalo está de volta à Montevidéu gravando o novo disco. Mas enquanto não sai, ainda dá para curtir o myspace ou baixar "Cine y Libros" aqui.

Cansei de ser Cansei de Ser Sexy

2008-07-28T22:14:00.001-07:00

“tchau p-o-b-r-e-s-!”

por Rudá Almeida

De uma coisa eu tinha certeza desde que as primeiras músicas do Donkey vazaram: o Cansei de Ser Sexy não só está uma banda melhor (evitando a todo custo o clichê de usar ou fazer referência a “amadurecimento”), como, principalmente, está uma banda diferente. E eu não estou falando de mudança de som. A saída de uma das integrantes e a troca definitiva de nome pra (a abreviação) CSS apontavam pra isso, óbvio. Mas foram diversos outros fatores que estiveram em jogo durante o "loooongo" período desde o lançamento do primeiro disco que ocasionaram toda essa mudança.

E como pareceu longo. Hoje em dia são poucas as bandas que se dão ao luxo de passar mais de 3 primaveras sem lançar material novo. No caso dos brasileiros, o perfeccionismo de Adriano Cintra e o sucesso internacional contribuíram para a demora. As primeiras aparições no blog de Lúcio Ribeiro e o show no Tim Festival de 2004 já nem parecem tão próximos, já que durante esse pequeno intervalo de tempo o CSS deixou de ser apenas mais um fenômeno da internet e ganhou notoriedade mundo a fora; assinou com a Subpop, fez show de ponta a ponta dos Estados Unidos, rodou por quase toda a Europa e tocou em praticamente todos os principais festivais de música que nós pobres mortais estamos acostumados a ‘ouvir falar’ e assistir vídeos no Youtube. Elas (e ele) só podiam ter mudado.

O Donkey, afinal, é o reflexo disso tudo. O disco consegue ser melhor que seu antecessor em QUASE todos os aspectos. Primeiro porque tem cara de disco, e não de compilação de singles. Depois, ele é mais enxuto, pesado e muito, mas muito mais bem produzido. O considero até um dos discos *de banda brasileira* mais bem produzidos de todos os tempos (ia colocar *nacionais*, mas essa expressão nem cabe mais). Pra quem falava que a banda era ruim e que nenhum das meninas sabia tocar e pra quem, acima de tudo, odiava com todas as entranhas seu sucesso, Donkey é um tapa na cara. Ah, e por que o QUASE? Porque há também quem sinta falta (eu!) da brasilidade (aqui ganhando uma conotação boa, veja só) do primeiro disco…

Desculpem-me mais uma vez o trocadalho, mas elas (e ele!) realmente cansaram de ser Cansei de Ser Sexy e se tornaram uma outra banda. Nenhuma faixa do disco novo parece ter saído do mesmo grupo que há tão pouco tempo ficou famoso pelas letras irreverentes e pela maneira tosca de tocar. Pra continuação da alegria e da tristeza de muitos, o (agora) CSS cresceu e tomou proporções gigantescas. Esqueçamos, então, das letras em português, tirações de sarro e shows no Mada, tá certo galera? Tá certo.

Beck is back!

2008-07-28T22:08:00.000-07:00

"minha voz continua a mesma, mas os cabelos, quaaaanta diferença!"

por Tiago Lopes

Fiz uma resenha de Modern Guilt - lançado mês passado, no aniversário de 38 anos do dono da brincadeira, THE Beck - e, lá pelo fim do segundo parágrafo, notei que ainda não tinha falado absolutamente nada do disco novo. Até então, só havia tentado construir uma justificativa para toda a estranheza inicial que as primeiras 10 audições do disco me causaram. Essa justificativa se basearia num resumo de toda a carreira do Beck, pra que eu pudesse entender como alguém, depois de 10 lançamentos oficiais e não-oficiais, todos repletos de músicas enormes, samples diversos de estilos musicais díspares, às vezes com até 8 instrumentos diferentes sendo executados por minuto, conseguiu fazer um disco que não ultrapassa a marca dos 35 minutos e não vai além de 10 músicas, todas elas limitadas por uma barreira que parece imposta por um vizinho incomodado com o barulho do seu som.

Mas é porque a qualidade única do Modern Guilt fica ainda mais evidente quando o disco é posto ao lado dos outros filhotes do Beck, que se dividiam em, basicamente, discos pro PARTY ON! e discos low-profile absurdamente bem produzidos. Primeira supresa: Modern Guilt não cabe em nenhuma das classificações e, dependendo do ponto de vista, é o que melhor representa ambas. Claro que "Gamma Ray" faz com que as menininhas se ponham a levantar seus vestidos de bolinha fácil fácil, mas faz isso sem muito alarde, sustendando umas notas de baixo repetitivas, não indo além do basicão. A diversão é a mesma que se tem ouvindo "Nausea" ou "E-Pro", só que sem a característica esquizofrenia de ambas.

Que existe em alguns momentos do Modern Guilt, só que não onde se costumava achar sempre, nos up-beats. Agora, vem para dar um valor extra ao lado instrospectivo do Beck. "Chemtrails" é realmente estranha às primeiras audições, é uma das mais barulhentas do disco e é difícil se acostumar com a desorganização da bateria non-stop e os uivos dos vocais. Até que tome alguma forma, você já conseguiu prestar atenção nas imagens assustadoras que o Beck criou no refrão (you and me/watching the sea/full of people/try not to drown), dando um sentido finalmente apreciável ao clima soturno da música. "Replica" é outra que possui uma batida desconexa, servindo de base para que você se deixe guiar unicamente pelo piano e vocal, que juntos até lembram uma melodia, mas uma um tanto desinteressante.

Mas as faixas meio-termo é que são as melhores coisas do disco e toda uma novidade na já longa carreira do Beck. O equilíbrio entre quase todas as suas variações que ele conseguiu em "Orphans", "Modern Guilt" e "Walls" é tão admirável como se assistíssimos ao lançamento de um novo Odelay. Primeiro, porque o Beck conseguiu ser suave sem violão nem gaita, e ser agitado sem esbravejar demais. Depois, porque ele ainda te deixa salivando por mais, impedindo essas preciosidades todas de irem além de três minutos, escondendo o vocal da Chan Marshall (que mal pode ser ouvido em "Orphans" e "Walls") e mudando totalmente a direção de suas letras.

O Beck, desde Mellow Gold, sempre foi um otimista mais próximo do bobo alegre do que do loser com o qual ele tentou enganar todo mundo. À exceção de Sea Change, todos os seus disco pré-Information cantavam as alegrias da adultescência (alguns dizem que o Nick Hornby é mestre em abordar essas coisas; algumas pessoas estão erradas) com uma felicidade tão massa e não-cafona quanto as melodias que continham essas composições todas (Odelay é o disco mais feliz já criado sob o abrigo da música pop). Com Information, ele até tentou demonstrar que não estava tão velho assim. "Think I'm in Love" foi um bom disfarce, mas posto abaixo por outras 14 músicas que insistiam num discurso pró-cientologia e contra-consumo cheio de observações incômodas sobre o estado das coisas. No disco novo, a poda também atingiu esse exagero de indignação, mas o que sobrou foi um conformismo apático tão agudo quanto convincente na maneira como é mostrado: é preciso só um pouco mais de atenção ao Modern Guilt para o seu happy-day se tornar num miserable one.

Stephen Malkmus e o fim do indie

2008-07-28T22:00:00.000-07:00

por Rudá Almeida

Ele inventou o indie (mesmo antes dessa paranóia existir), liderando a banda mais cool dos anos 90, o Pavement, e agora, nos anos zero zero, provou que continua mais ligado que toda essa juventude descolada que usa all-star, óculos de aro preto e camisa listrada. Stephen Malkmus não é só o ponto de partida dessa nova geração do rock alternativo, ele também quer ser o mentor de seu súbito final.

Basta ouvir as primeiras faixas de seu novo e melhor álbum, Real Emotional Trash, pra entender o porquê. Junto aos seus fiéis escudeiros do The Jicks, Malkmus criou um disco cabeçudo, com músicas que variam entre 5 e 10 minutos e que se aproximam mais do rock psicodélico do que qualquer outra coisa que ele ou o Pavement já tenham lançado. Preste atenção na excelente, proposital e enganosa falta de estrutura absurda presente em grande parte das faixas do disco... No meio de tudo isso, ainda há espaço pra canções curtinhas e de apelo radiofônico, como Gardenia e We Can’t Help You, mas também, pára por aí.

Quando então eu lembro dos seus outros três fodões discos solos, o primeiro e homônimo, de 2001, o segundo, Pig Lib, e o terceiro, Face the Truth, percebo o quanto esse cara é bão e o quanto ele me deixa satisfeito ao ponto de nem pensar numa susposta volta do Pavement, uma das minhas bandas favoritas de… todas as bandas. Pra comprovar basta você colocar Range Life pra tocar quando estiver em minha companhia e ver a minha cara de felicidade seguida de um ridículo air guitar acompanhado de caretinhas que indicam a inspiração e concentração de minha pessoa nesse ofício.

Enfim, o que eu quero dizer no final das contas é que não há nada mais pop e legal que o Crooked Rain Crooked Rain pra década de 90 e que o Pig Lib pra o agitado começo dessa década aqui. Agora, já prevendo o fim dessa fase, ou dessa geração (como queiram), não há nada mais ‘pá de cal’ que o Real Emotional Trash. Se a profecia do Mr. Malkmus se concretizar, não venham me dizer que não avisei.